El artista de Dayton, Keith Rankin, tiene un ojo para lo surrealista y un oído para lo vanguardista. Los utiliza bien no solo en su práctica profesional de ilustración, sino también como cofundador de Orange Milk Records, donde explora nuevos talentos, el arte dirige paquetes de álbumes y también lanza su propia música.
Rankin sabía que nunca tendría un trabajo regular. Estaba obsesionado con el dibujo y las historias de fantasía cuando era niño, y en su adolescencia, la música también. También fue un estudiante terrible, que abandonó un año en la escuela secundaria y luego tuvo dificultades para terminar algunos cursos universitarios. No fue hasta que comenzó el sello discográfico que realmente comenzó a perfeccionar su habilidad como ilustrador y a adaptarse a su estilo, que solo puedo describir como surrealismo nostálgico.
Hablé con Keith sobre cómo es dirigir un sello discográfico, cómo equilibra su amor por la música y la ilustración, y su experiencia trabajando con Rico Nasty.
Esta entrevista ha sido editada y condensada para mayor claridad.
Me encanta el trabajo que hiciste para Rico Nasty. De hecho, así es como encontré tu trabajo por primera vez. ¿Cómo fue trabajar en ese proyecto? ¿Cómo ocurrió?
El director de arte de Rico, Dom Glover, me envió un correo electrónico. Él ya tenía el concepto básico basado en estas viejas portadas de libros Primal Scream , así que solo tuve que ejecutarlo. Muchas comisiones van así, en las que solo estás haciendo todo lo posible para que una idea cobre vida. Sin embargo, fue durante ese momento, cuando realmente me di cuenta de lo agonizante que es hacer que el cabello sea realista con mi proceso, como delinear y sombrear cada mechón. También estaba feliz de hacer algo por un artista que realmente escucho.
Eres artista visual y musical. Cuéntame un poco sobre cómo estos dos intereses comenzaron en tu vida.
Me ha encantado el arte visual desde que era pequeño. Ni siquiera puedo recordarlo. Cuando era un adolescente, escuché algunas canciones que tenían cambios de acordes mayores a menores en la radio que me llamaron la atención, como, “¿Cómo me está haciendo sentir de cierta manera?” Y me sentí adicto a la música después de eso.
Muchos de los artistas que conozco interesados en la música y el arte visual sienten que tienen que elegir entre los dos. Obviamente, ahora has encontrado una hermosa manera de hacer ambas cosas. ¿Alguna vez tuvo la sensación de que era “cualquiera o”?
Recientemente, pasé la mayor parte de mi tiempo en arte visual porque me estoy ganando la vida haciendo comisiones. He hecho de la música algo que hago más en mi tiempo libre y sin preocupaciones monetarias. De alguna manera, está eligiendo dar más tiempo a uno sobre el otro. Creo que es difícil hacer arte con el que me siento realmente satisfecho personalmente si no le estoy prestando toda mi atención.
¿Encuentras que ambas prácticas se mezclan y complementan entre sí de maneras interesantes?
Mi arte visual suele estar al servicio de otra persona, así que no me siento tan conectado personalmente con él, o me resulta más fácil dejarlo ir. Hay mucho bien en eso porque puedo ser demasiado valioso con la música.
Algunos de mis colegas decían que su trabajo les recuerda mucho del arte que vieron crecer en los años 90. ¿Es esa época específica donde obtuviste tu inspiración inicial para tu estilo? ¿Tiene un significado especial para ti?
Con el arte visual, estoy seguro de que se infiltró en mí mientras crecía en ese momento. Me encantó el anime y el arte de la caja de películas de terror. Por alguna razón, la portada de VHS para la película Dead Alive se me viene a la mente, aunque mi arte realmente no se ve así. Hay un aspecto subconsciente en la producción de los artistas, básicamente regurgitando lo que hemos absorbido. Podemos ser vistos como representantes de cierta cultura en la que nacimos. El otro aspecto es cuando tratamos conscientemente de formar alguna identidad nueva o híbrida, ya sea a partir de partes de nuestra influencia o a pesar de ellas. Normalmente no me siento atraído por el arte retro, pero me doy cuenta de que mucha gente considera que mi arte hace referencia al pasado. Todavía estoy en la etapa intermedia de clasificar todo lo que he absorbido en mi vida para buscar una identidad más clara.
¿Cómo es su proceso creativo hoy? De principio a fin.
Para entrar en la parte técnica, por lo general, comienzo con un boceto a lápiz o un collage muy tosco para obtener una composición, luego entro con la herramienta de lápiz en Photoshop y delineo cada elemento. Podría pensar en ese paso como el equivalente digital de hacer una imagen de papel de construcción con un cuchillo X-Acto, cada forma grande o pequeña tiene su propia pieza. Luego uso la herramienta de pincel de Photoshop predeterminada configurada en una opacidad baja y comienzo a sombrear dentro de cada selección o forma de recorte, construyendo colores similares a una pintura o un aerógrafo físico. Esa es la mayor parte del trabajo. Luego, al final, juego poniendo textura o colores sólidos sobre la pieza completa y ajustando su opacidad y otras configuraciones, lo que puede hacer cosas inesperadas e interesantes en las interacciones de color.
¿Cuánto tiempo lleva generalmente crear una pieza? ¿Ha simplificado este proceso de alguna manera?
Si una pieza tiene muchos elementos separados, puede tomar una semana o dos para terminar, a veces más. Creo que otros artistas que trabajan en un estilo similar podrían haber simplificado más que yo usando una tableta y tratando el trabajo más como un dibujo, pero todavía me siento más cómodo usando un mouse. Mi proceso se siente bastante alejado del acto de dibujar.
¿Cuáles son algunas de sus herramientas y recursos creativos favoritos?
Quizás una respuesta fácil, pero, internet, cualquier búsqueda de imágenes. Recojo cada imagen que veo que me emociona de alguna manera, y tener acceso a esa biblioteca es el mejor recurso para motivarme. Antes de comenzar una pieza, a veces también pienso en ello durante mucho tiempo. Como si revisara mis propios pensamientos y tratara de aclararlos: ¿qué quiero que sea esta pieza? ¿Solo estoy en piloto automático confiando en mi conjunto de habilidades, o estoy tratando de subvertir alguna parte de mi proceso habitual, conscientemente intentando algo diferente? Es casi como elegir entre dejar que el significado llegue a su arte de forma intuitiva o consciente.
¿Cómo descansa y se recarga cuando no tiene ideas?
La mejor manera es probablemente no trabajar en nada por un tiempo, pero eso puede ser difícil cuando dependes de hacer arte visual para pagar el alquiler y todo. El agotamiento es probablemente bastante común. Definitivamente vivimos en una cultura que está obsesionada con la gente trabajadora hasta la muerte, y conozco a muchas personas creativas, incluido yo mismo, que se sienten incómodas o inquietas cuando no están trabajando en algo. No sé si tengo una solución. Me gusta ir al cine para tratar de relajarme.
Cuéntame más sobre Orange Milk Records. ¿Por qué lo empezaste? ¿Cómo ha sido el viaje?
Lo comencé con mi compañero Seth Graham alrededor de 2010, probablemente solo como una forma de insertarnos en una comunidad musical. Estaba haciendo la mayor parte del arte visual para los lanzamientos por necesidad. Si miras a través de la discografía, puedes trazar mi desarrollo bastante a fondo, lo que a veces es vergonzoso. El sello ha continuado porque todavía nos gusta escuchar música nueva, y también se ha convertido en parte de nuestra rutina. El manejo de la etiqueta puede ser casi reconfortante a veces debido a su familiaridad. También puede ser estresante. Al igual que rechazar demos, las personas a veces se enojan mucho. Pero me encanta tener una visión general de lo que están haciendo artistas desconocidos. Es sorprendente la cantidad de personas que simplemente hacen música obtusa loca y la lanzan en línea.
¿Qué sigue para ti?
Tengo mucho trabajo terminado que aún no se ha revelado. Espero hacer un nuevo disco en algún momento también. No lo sé, ¡planificar con mucha anticipación me estresa!
